在UI设计界，十年前一边倒使用摄影图片作素材的时代已经一去不复返了，也许是因为版权的严格，抑或对于视觉创新的需要，越来越多采用插画来作为创作的素材。并且预测将会是未来具有压倒性的视觉趋势。

但是很多设计师依然很茫然，虽然知道要学习插画，插画却是一个非常大的领域，其中风格种类繁多，甚至一个人就是一个风格，那么零基础没有美术基础的插画师又该如何学起呢？应该看什么书上什么课程呢？扁平插画为什么对于设计师这么重要呢？

先来讲个关于发现的故事

在N年前，当大家都在用精美的照片做UI界面的时候，我拿着自己刚刚做好的十分满意的网页界面，当时就对朋友提出了一个问题：“假如我没有找到这么多好的图片素材怎么破？假如世界上没有这么优秀的摄影师，也没有拍出这么好的图片素材怎么破？难道我们的优秀设计只是凭借运气吗？”

大家都在动辄“原创”“版权”的时代当中，这个疑问摆在我心里很久：我们设计师的作品有多少是真正百分百原创？直到后来又重读《世界平面设计史》的时候，发现早在一百多年前，一个海报制图员兼印刷厂工人，或多或少都是一个画家。

由于我一直都试图在从历史的源头当中去找未来发展的脉络，这点细枝末节给了我一个巨大的警醒，那就是：以前在还没有摄影或者说摄影图片素材来源并不容易的情况下，一张海报的设计通常都需要创作者一笔一画开始“画”起，同时也需要创作者自己“画”文字。原来，设计不应该是“拼”出来的，而是“画”出来的。

这对比现在我们信手拈来就用它的字库字体，高清素材……尽管我们出稿肯定比以前快，却丢失了设计师最不应该丢失的东西，那就是原始的那种创作的idea。那种本来应该由设计师来安排这个画面天空应该是什么颜色，人物应该是什么动作，现在却都一股脑被摄影师的镜头承担了。设计师其实被退化成了一个素材挑选员+拼装员。

其实这个结论是很可怕的，大家都知道人工智能将来会替代掉我们大部分人的基础工作，而挑选素材以及拼装素材就是一个非常基础的工作，只要你看得足够多，掌握规律，你就能胜任的。试问我们有谁能比机器看得多呢？

而我们和机器的差别，最主要就是我们有情感，所以插画刚好是能承载你的个人情感的。这个核心就是我能想到的逆向方案：我们不能和机器比快、比效率，我们唯一的优势只能是我们的idea。

所以，一开始我学习插画，就是奔着要完整的呈现自己的idea去的。尽管那时用插画来作素材的界面很少。大部分插画要么是出现在包装设计上，要么就是书籍配图，但是我一直想要把插画用在UI界面里。并且在网页中呈现什么样的形式最合适，当时我并没有一个头绪。因为前面两类插画，在以前还是以细节繁复的画面为主要趋势，书籍的配图由于涉及到儿童类读物比较多，所以那时的插画都是以卡通可爱的形象居多。而这些配图如果用在UI界面里，多少和当时刚刚开始盛行的扁平简约风格有点违和。

对于插画的另一个领域是在游戏原画，CG插画这样的印象中。通常人物都表现得非常性感，帮助游戏公司宣传，激发宅男的点击欲，很注重写实和用光。说实话，我对这一类插画风格始终提不起兴趣，也仍然觉得它过于复杂，不够简约。那时其实早已买了数位板，所以学着画了一段时间的CG后，我放弃了。

画画是一种右脑思考的方式

虽然我以前学过美术，但是工作以后就没怎么碰过。总是想重新提起笔，但是又因为工作关系不得不打开电脑。尽管有美术基础，很长一段时间却是被冰封搁置的。

素描是基础，这大概没有人会不同意。但是素描怎么学，却是大问题。很多人大概都没有时间也没有耐心从枯燥的几何体开始画起。网上铺天盖地的课程，也大都走学院风格，系统性学习需要消耗大量时间。因此，这对以996加班见长的设计师来说，不科学……

我一直很推崇的一本书就是《像艺术家一样思考：五天学会绘画》，看完这本书，跟着画，你其实可以不用那么苦练多年素描，然后画得和学院派一样好以后再来学画画。只要你找到的那个核心方法，你就可以把这套方法适用于任何的绘画形式中，哪怕是一个涂鸦。

这本书同时也是帮你厘清最基础的绘画的概念，比如空间、形状、光影、透视等等。经过这一系列练习，你或许并不能画得多好，至少可以对绘画有一个正确且深刻的理解。

我不推荐太多的相关资源给大家，只一本书，其实就够了，在画的过程中，你会产生新的问题，而新的问题又会释放出更多新的答案，你会找到属于自己独有的学习路径，而我在这里只是提供一个起始点给你参考。

素描和速写：一个输入、一个输出

光影不止让画面变立体而已，对于光影，很多初学者都是一头雾水。经过我们扁平插画研习社学员的作业反馈的情况来看。大家的问题主要就集中在：

1）找不准光源

2）不知道如何简化光影

3）忽视光影的色彩

4）表达光影细节容易出错

……

（一）通过素描来看世界

其实，真实的世界永远是我们学习灵感的巨大宝库。所以这也和上一步的素描结合，素描不是教会你画画，而是教会你观察。

你可以认真观察一只苹果，然后把这个苹果画下来，画的过程中体会光线从光源射入到苹果表面产生的光影变化，这些光影变化，通过素描描绘下来，就是变成素描里最基础的五大调。

画苹果的过程，就是一个记录光线和物质如何互动的过程，这个过程中，你还会观察到苹果表面的色彩，纹理……这些信息串联起来，得到的绝不仅仅是一个苹果长什么样，而是光线在这个视觉世界是如何运作的。而这是我们画画所需要的最关键的信息。

（二）速写生活细节

光影还藏在生活的所有细节里，如果你没时间画一幅素描，假如你是每天通勤地铁往返忙碌，你依然可以通过观察所有呈现在你眼前的光影来收集信息：比如你老板脸上的肌肉所产生的光影，一杯水在日光灯下的光影表现，你的爱人的手指……哪里是暗，哪里是明，哪里的阴影有边界，哪里的边界是模糊……

素描就是一个帮助观察的过程，但观察可以是任何形式。所以，素描可以简化为速写，每天一分钟，快速表现一个物体。一盒下班回家途中便利店买下的巧克力，一顶看中但没买的帽子，一个人的背景……

速写可以在A4纸上画，也可以在餐巾纸上画。可以用铅笔、钢笔等等。不要拘泥形式。

素描和速写，它们绝对是学习插画的两只翅膀。一只用来帮你看清视觉关系，一只用来表达你所看到的一切。一个输入，一个输出。两者都不能偏废。

（三）两种节奏

一开始学习画画，你要勤练素描，一天一幅都不为过。一开始你可以画圆形的物体，比如水果。慢慢开始就可以画方形的物体，桌子凳子。再然后就给自己增加难度，比如画稍微复杂一点的，比如鞋子、房屋等。

物体画得差不多了，就可以画人物、植物、动物、慢慢扩大到外景、室内景物等。（人物可以放在 最后学习，因为人物的难度最大）

差不多半年，都要保持一两天一幅这样的节奏去学习素描，耐住寂寞。看着自己画技渐长，你就可以尝试开始速写。

速写要用的就是快速表达的节奏。因此，你不能往细了去画，而是粗略表现即可。速写可以很快完成一幅，所以每天练个十分钟，表现各种出现在你眼前的场景事物，想哪画哪。一支削笔刀、一颗树、一座山等等。

这时感觉自己素描的基础稳定以后，素描练习的频率就可以降低，而改用速写取代素描了。素描可以换成一周一次或者半月一次，而速写就可以每天来一小幅，1~5分钟，以想象的场景为主。假如你今天决定画鼠标，你突然想不起来鼠标的细节，这时就可以拿鼠标来看看，再观察观察。不要看着画，而是抛开物体本身继续画。

最终要达到一个效果：用速写的速度，快速表现素描的品质，并且可以不用参考物体，就能画出光影细节。这时，可以说基础阶段就差不多了，可以缓一缓。

但是这个练习要一直持续下去，永远不可丢弃。

从艺术中扎根

其实绘画的形式有很多：油画、水彩画、水粉画、丙烯画、彩铅画、水墨画、木刻版画……太多了。但是我们都要学吗？当然不是！这里大家可以参考我的学习路径。

（一）从彩铅进阶水彩

我一开始是热衷素描的，但是画着画着就觉得黑白灰有点枯燥，而我本身对颜色有极大兴趣的。所以，我就想到用彩铅来取代素描。彩铅的魅力是可以采用叠画法，尤其是油性彩铅叠出不同的色彩层次，效果就会看起来比素描要吸引人。

所以我就换成用彩铅来表现，彩铅也可以在网上买书来学，或者报网课，跟着老师练。但是最重要是看自己是否真喜欢。这个过程中，兴趣非常重要。由于是自由职业，所以有段时间，我是白天接单做设计，晚上就雷打不动坐在桌子面前练彩铅。

一开始用临摹为主，因为你会发现彩铅和素描，虽然都是铅笔，但是还是有很大不同。慢慢熟练了，自己就可以尝试对着照片来画。学会创造细节，而不是再现细节。

彩铅可以帮助你对色彩表现的理解，比如光影表现中，阴影不止是暗色，同时也会有其他颜色夹杂进来：周围光线的色彩、旁边的物体的色彩、物体本身的色彩等等。

除了彩铅，我还很喜欢水彩，所以后来也开始学水彩。水彩仍然有不同的表现风格，但是它的用色逻辑和彩铅比较类似，也是慢慢一层层叠色，直到最后能表现一个完整的物体。只是水彩看似更大胆，可以把一个物体解构得更彻底。

水彩依然是加强你对色彩的控制力，就像彩铅plus的感觉。所以，在我的体系里，水彩是彩铅的晋级课。

同时我还间杂学习了国画白描、书法等等艺术表达形式，以及漫画和线体画风都能帮助我理解线条表现等等。

（二）手绘不等于手绘板

可以说学习任何的手绘性质的绘画形式，都是可以根据自己口味自由搭配的套餐。它们虽然没有直接和插画产生关系，但是它能帮助你深入到艺术创作的核心，这是任何老师、课程、书籍都不能告诉你，也无法组织成语言传达给你的。

你有了这一个层次的熏陶，才会真正成为一个创作者，而不是一个临摹者。也不会叫苦说自己只会临摹，技法都知道，但是创作有难度了。

现在有人已经用ipad来画画，我还是建议大家在纸上画起。我一开始和大家说过，源头的重要性。而手绘可以说是艺术表现的源头（大家不要把手绘和手绘板划等号），真正的手绘，和真实的颜料接触，真实的感受画笔接触到纸的那种沙沙声。这种体验是电脑软件无法取代的。

比如大家知道数码绘画的优势最大就是用色无限宽广，还可以及时调色，但是老天永远是公平的，给了你方便就会给你另一种不方便。你用颜料调出来的颜色会让你更深入理解这个色彩，比如你要调出一个暗灰黄绿色，也许你就会用普通的绿色+柠檬黄+棕色去慢慢试着得到这个理想中的色彩，而不是直接通过软件选色得到。后者帮你省略了思考的过程，而让你其实和这个颜色并没有真正有接触。这和谈恋爱认识第一天就结婚，但并没有经历恋爱过程是一个道理。

这是软件对比手绘的弱势，也是我认为无论多好的工具，如果你的手绘不合格，你软件出稿后的效果也并不会惊人。或许你可以临摹、模仿得到优质的效果，但是你永远原创不出真正高品质的令人印象深刻的作品。

而手绘，也是一个很漫长的训练过程，甚至可以说是无止境的。因此你可以给自己多一些耐心，就像每天人需要依靠主食才能生存，手绘就是插画的主食，软件只是末端的工作，类似于一个小甜品。

扁平插画 VS 传统插画

扁平插画其实是个不完整的概念，但仍然找不到其他可以替代的词语来形容目前在UI设计界的一股清新的简约风格的插画。

一开始学习扁平插画，只有一个途径，就是网上的“教程”，而这些教程最早在国内几乎看不到，国外的一个叫做TUT+的网站倒是有的，此外就是油管上的设计师分享的视频。我想，这是我当时仅能接触到的唯一学习扁平插画的来源。

所以一开始学习是很盲目的，但总是有踪迹可循。我相信那段时间很多插画界的大神也可能发现了这个趋势，有少数人快速转向到了扁平插画。虽然没有教程，但是我们看到了很多好作品。有了好作品，只要学会观察它们，连带着自己扎根下的美术和软件基础，拆解一个作品的绘制过程就很容易了。

比如扁平插画有几何简单形状风格的作品，

有颗粒感很强的作品

有结构很强的理性派作品

还有手绘风格明显的随性风格作品

……

虽然扁平插画风格也不一，总有一个大概的方向的感觉，就是它看起来简单，容易在简约风格的平面设计中应用。画起来似乎也并不耗时（事实证明如果你是初学者，省时只是个假象）

如果把扁平插画风格拿来和传统插画风格一对比，就能看出差别在哪里。而我感受到最大的差别就是，扁平插画很容易应用在UI界面当中。尤其是简约风格的界面设计当中。当涉及到自由扩展，矢量出稿的扁平插画更具有应用上的优势。此外印刷类设计，用扁平插画，尤其是纯色、线条等等表达时，明显也更省成本。

虽然这两年，扁平化也有借鉴传统插画中的各种纹理表现来增加画面的温度感，同时，传统插画也有朝向扁平插画在不断做减法的趋势。

所以，这是我在众多插画风格种挑选扁平插画作为主攻对象的理由。因为我们画的插画，也许会是帮助呈现一个商业前景、一个产品特性介绍、营造一个节日氛围……还要考虑到整个版式的设计、文字的搭配，所以，它不能只是一幅艺术作品。你必须考虑到它应用后的效果。

而这时我再找全网的所有书籍、课程，几乎都没有看到针对扁平插画的专门系统性的学习。虽然国外已经有好些网站都用扁平插画作为配图出现在UI界面中，但它仍然在萌芽阶段。所以，我才开始做了扁平插画研习社的想法。想聚集一群人来，大家共同学习研究探寻扁平插画的可能性。

虽然我是课程老师，但是我希望这个课程是由大家一起学习来推动的，你们可以找到更好的表现方法，可以探索发现更有趣的表现扁平插画的形式……我们说光影应该如何表现，但是如果你有更好的方案，你的表现更优，你就是老师。大家都可以一起学习你的方法，而不是课程里的方法。这就是我的愿望。我也因此透过这个课程在不断学习。

有了美术基础，但是依然表现不好扁平插画怎么办

这是部分美术生最常问到我的问题。其实也是涉及到一个过程：简化。

其实扁平插画是写实和抽象的结合，它游走在表现的两端。为此，你可以多阅读关于抽象绘画的资料，把早期抽象画派的作品拿来研究就会发现，原来扁平插画一早就诞生了。这时，作为一个扁平插画爱好者，有种找到组织的感觉。

所以简化就变得不那么可怕了，至少它提供给我们一个思路，就是：丢弃掉外在形式。虽然在丢弃，却又可以维持原有物体的识别度。这是一个动态的微妙平衡。大量练习看待物体的方式，出稿自然就变得越来越合理自然。

而这也是我们练习的重点。有很多扁平插画研习社的学员一开始画得都很写实，画着画着就会找到这种几何感，找到扁平的视觉表现语法。这是在动手做当中所产生的心得。

所有我们目所能及的物体，都能简化到最后只剩下圆形、方形、三角。所以我们反向出发，就能构建一个丰满生动的形象。我们可以控制简化的比例，也可以增加细节，巨大的空间留给我们发挥。

用什么工具表现扁平插画？

目前我经常用的软件就是AI（Adobe illustrator），因为它是矢量的。如果你非要说用PS也能画，那也是对的。之所以选择AI，只是因为它的矢量工具更齐全，功能更强大。对比PS以像素为基础的软件，它更符合矢量的特征。

由于扁平插画用色不需要太复杂，所以在AI中用简单的颜色表现，只要控制好形色关系，就会是一幅非常优秀的作品。

而PS胜在色彩和纹理细节的处理，所以我也经常用PS来调整已经在AI当中画出的插画，并且利用PS的笔刷来增加颗粒感。

其实颗粒感的增加还可以利用图案，任何在PS中可以用在图片素材的技巧，都一样可以用于插画。

作者：飞屋设计
微信号：ifeiwu81